Stewards of Memory: Rethinking the Collector’s Role in Latin America
Guardianes de la memoria: repensando el rol del coleccionista en América Latina (versión en español abajo)
Latin America’s arte popular is described as a tradition, yet in reality it should be understood as a living archive. From ex-votos painted in gratitude to miracles, to masks animated by festivals, to textiles carrying ancestral memory, these works have long been woven into the fabric of everyday community life. They remind us that art in this region has never been confined to galleries or academies but has always spoken directly to collective experience.
Today, as contemporary artists reimagine these languages and collectors show increasing interest in them, a question arises: how can arte popular be collected without being silenced? Tracing its role from cultural matrix to contemporary practice, I suggest that stewardship—understood as activation rather than possession—offers one way for collectors to become catalysts of new artistic movements.
Roots and Histories
Latin America’s artistic heritage has always been fertile ground. Even under the shadow of European romanticism, painters like Alejandro Obregon brought a voice distinct from the metropoles. But it was in the 1920s, with the rise of nationalism and the avant-gardes, that artists turned decisively away from inherited models and back toward instinct, intuition, and the communal self. The intellectual Luciano Alves Duffrayer has described this as the "auto-figuration of the soul of the collectivity:" A rediscovery of arte popular as the expression of shared myths, rituals, and customs rather than individual pursuit of aesthetic.
Arte popular is collective, devotional, and communal. It transmits the memory of festivals, the spirit of ancestral beliefs, and the pulse of everyday stories. Think of the ex-votos of Mexico and Guatemala, where acts of faith became painted testimonies. Or Brazil, where saints and Yoruba deities like Yemanjá embody devotion and resistance at once. In Haiti, artists such as Philomé Obin and Georges Liautaud blurred the lines between history, religion, and daily life.
Seen this way, arte popular is not a minor genre but a cultural matrix, a rich soil from which successive artistic movements have sprouted across Latin America and the Caribbean. It has carried aesthetic value and social memory together, serving as a reservoir for modern and contemporary artists to continually draw upon.
Contemporary resonances
For much of the twentieth century, arte popular sat alongside "high art:" appreciated but rarely integrated into its hierarchies or its market. Its makers, often self-taught, were labeled as "folk artists." And yet, some of the strongest contemporary practices have taken roots precisely from these traditions. Eduardo Terrazas is a compelling example: drawing from Huichol artisan techniques (tablas), his geometric forms integrate craft traditions into conceptual and contemporary vocabularies, showing how vernacular languages continue to generate new artistic languages. Rosana Paulino carries this lineage forward. Using embroidery and collage, techniques long coded as “domestic,” she exposes the afterlives of slavery. Works like Bastidores (1997), where photographs of Black women are sewn into embroidery hoops, hold the intimacy of craft whilst addressing collective memory and national, racial violence. What looks delicate becomes an indictment.
More than critique, though, Paulino’s work shows younger artists that textile, craft, and vernacular forms are not “secondary” but radical, generative mediums. They are living languages of inherited gestures, once meant to soothe, that today carry the potential to awaken a movement.
Adriana Varejão, meanwhile, fractures the polished surface of azulejos, the Portuguese tiles that once decorated churches and elite spaces. In her paintings, those decorative motifs split open to expose what lies beneath: the violence of empire, hybridity, and bondage. Ornament is never innocent. Her practice is not rooted in arte popular, yet the way it has been framed within contemporary institutions and public installations enables a discourse that resonates with it. By positioning vernacular languages at the center of critical debates, she demonstrates how a decorative, seemingly passive tradition can be sharpened into a language of power. Her practice operates more through a critical lens of colonial power, while arte popular could offer an opportunity to integrate the debate directly in the culture, like an infusion. This institutional framing, when extended to arte popular, opens a path that underscores the nuances it brings to dialogues on colonial histories and their legacies.
Today, artists like Varejāo are collected by major museums and sought after by private collectors worldwide. But their resonance is not trend-driven. It comes from their ability to inherit the communal and ritual languages of arte popular and transform them into contemporary vocabularies. They matter because they remain tethered to the same sources that gave arte popular its power: community practices, embodied rituals, and collective imagination.
The Collector’s Role
The history of Latin American art shows that when cultural expressions are given visibility, they seed movements. Arte popular, with its depth and symbolic richness, has always been fertile ground. Artists like Paulino and Varejão reminds us that these traditions are not static; they can critique history and the market that has promoted dangerous values, while allowing us to reimagine our national and communal identities.
For collectors, this moment offers both a responsibility and an opportunity to ensure that this fertile terrain continues to bear fruit. Two cases from the region point the way. In Brazil, Bernardo Paz built Inhotim, transforming a private collection into a cultural park where art exists in dialogue with landscape and community. There, Varejão is honored with a dedicated gallery that permanently houses major works. In Mexico, Eugenio Lopez Alonso, through Fundacion Jumex, has supported not only acquisitions but exhibitions, research, and education. In both cases, collecting became a platform for public life rather than private accumulation. By investing in visibility, these collectors created the conditions for new artistic languages to grow.
Imagine the effect if works like Paulino’s Bastidores were installed in civic spaces, sparking conversations about memory and identity among passersby, or if Varejão’s cracked azulejos confronted visitors in colonial sites, transforming reflection into dialogue. Public encounters like these can change cultural consciousness. They can inspire young people to see their own histories as raw material for art, and to choose creation as a way to voice their opinions, questions, and fears. In this sense, stewardship is no longer just preservation: it becomes activation, a renewed vision of what patronage can mean.
Collectors, by making their holdings accessible, can cultivate the next wave of voices and perhaps even the next great movement. Just as patronage once fueled Mexican muralism or Brazilian concretism, today’s collectors have an opportunity to support artists that have novel ways of using popular traditions to address modern social failures. Public art, long-term loans, and community-based exhibitions are not acts of charity; they are the heartbeat of cultural vitality. They create ecosystems where popular forms can keep evolving, rather than disappearing quietly into private walls.
Here, responsibility becomes the catalyst of opportunity. Collectors who treat stewardship as activation rather than possession inevitably become part of art history’s forward movement. With something as potent as arte popular, their role is to keep the ground open, to allow new seeds to take root, and to ensure that what grows speaks to both past and future.
The role of collectors is not to guard embers in the dark but to keep them burning in public life. Arte popular shows how traditions ignite when they are shared, how they spark new practices and new imaginaries. To collect with stewardship is to ensure that the flame does not die and kindles the art of tomorrow. As a new generation of collectors arise, it is essential to rethink the sustainability of collecting frameworks and practices to encourage patronage and ensure new movements see the light.
About our Guest Writer:
Ïsha Musampa is an art advisor trained at Christie’s Education in Art Business and at the University of Westminster, where she completed a master’s degree in Marketing Communications. She is the founder of Vanta Art Advisory, a firm dedicated to guiding collectors in building meaningful collections with a focus on Black and Brown artists. Through critical writing, cultural analysis, and market insight, she explores the intersections of art, investment, and diplomacy, highlighting how collecting shapes both legacy and cultural narratives. Her experience spans collaborations with institutions such as the Jara-Michel art collection and the Musée d’art contemporain de Montréal, amongst others.
To learn more about Ïsha Musampa and Vanta Art Advisory, visit:
El arte popular de América Latina suele describirse como una tradición, pero en realidad debería entenderse como un archivo vivo. Desde exvotos pintados en agradecimiento a milagros, hasta máscaras animadas para festividades, pasando por textiles que cargan la memoria ancestral, estas obras han estado siempre entretejidas en la vida comunitaria cotidiana. Nos recuerdan que el arte en esta región nunca ha estado confinado a las galerías o academias, sino que siempre ha hablado directamente a la experiencia colectiva.
Hoy, mientras los artistas contemporáneos reimaginan estos lenguajes y los coleccionistas muestran un interés creciente en ellos, surge una pregunta: ¿cómo puede coleccionarse el arte popular sin silenciarlo? Siguiendo su papel desde matriz cultural hasta práctica contemporánea, sugiero que la noción de cuidado—entendida como activación más que como posesión—ofrece una vía para que los coleccionistas se conviertan en catalizadores de nuevos movimientos artísticos.
Raíces e historias
El patrimonio artístico latinoamericano siempre ha sido un terreno fértil. Incluso bajo la sombra del romanticismo europeo, pintores como Alejandro Obregón llevaron una voz distinta a la de las metrópolis. Pero fue en la década de 1920, con el auge del nacionalismo y las vanguardias, cuando los artistas se apartaron decisivamente de los modelos heredados y volvieron al instinto, la intuición y lo comunitario. El intelectual Luciano Alves Duffrayer ha descrito este proceso como la "autofiguración del alma de la colectividad": un redescubrimiento del arte popular como expresión de mitos, rituales y costumbres compartidas más que como una búsqueda individual de lo estético.
El arte popular es colectivo, devocional y comunitario. Transmite la memoria de las fiestas, el espíritu de las creencias ancestrales y el pulso de las historias cotidianas. Pensemos en los exvotos de México y Guatemala, donde los actos de fe se convirtieron en testimonios pintados. O en Brasil, donde santos y deidades yoruba como Yemanjá encarnan devoción y resistencia a la vez. En Haití, artistas como Philomé Obin y Georges Liautaud borraron las fronteras entre historia, religión y vida diaria.
Visto así, el arte popular no es un género menor, sino una matriz cultural, un suelo fértil del que han brotado sucesivos movimientos artísticos en toda América Latina y el Caribe. Ha cargado valor estético y memoria social al mismo tiempo, sirviendo como un reservorio al que artistas modernos y contemporáneos acuden continuamente.
Resonancias contemporáneas
Durante gran parte del siglo XX, el arte popular convivió con el “arte culto”: apreciado pero raramente integrado a sus jerarquías o su mercado. Sus creadores, muchas veces autodidactas, eran etiquetados como “artistas folclóricos”. Sin embargo, algunas de las prácticas contemporáneas más sólidas han enraizado precisamente en estas tradiciones. Eduardo Terrazas es un ejemplo contundente: retomando técnicas artesanales huicholas (tablas), sus formas geométricas integran tradiciones artesanales en vocabularios conceptuales y contemporáneos, mostrando cómo las lenguas vernáculas siguen generando nuevas expresiones artísticas. Rosana Paulino continúa esta línea. Utilizando el bordado y el collage, técnicas por mucho tiempo codificadas como “domésticas”, expone las secuelas de la esclavitud. Obras como Bastidores (1997), donde fotografías de mujeres negras son cosidas en aros de bordado, sostienen la intimidad de la artesanía mientras abordan la memoria colectiva y la violencia racial y nacional. Lo que parece delicado se convierte en una acusación.
Más que crítica, la obra de Paulino muestra a los artistas más jóvenes que el textil, la artesanía y las formas vernáculas no son “secundarias” sino medios radicales y generativos. Son lenguajes vivos de gestos heredados, antes pensados para consolar, que hoy tienen el potencial de despertar un movimiento.
Adriana Varejão, por su parte, fractura la superficie pulida de los azulejos portugueses que alguna vez decoraron iglesias y espacios de élite. En sus pinturas, esos motivos decorativos se abren para revelar lo que hay debajo: la violencia del imperio, la hibridez y la esclavitud. El ornamento nunca es inocente. Su práctica no está arraigada en el arte popular, pero la forma en que ha sido enmarcada en instituciones contemporáneas e instalaciones públicas permite un discurso que resuena con él. Al posicionar lenguajes vernáculos en el centro del debate crítico, demuestra cómo una tradición decorativa, aparentemente pasiva, puede afilarse como un lenguaje de poder. Su práctica opera más desde una lente crítica sobre el poder colonial, mientras que el arte popular podría ofrecer la posibilidad de integrar el debate directamente en la cultura, como una infusión. Este marco institucional, al extenderse al arte popular, abre un camino que subraya los matices que aporta a los diálogos sobre las historias coloniales y sus legados.
Hoy, artistas como Varejão son coleccionados por grandes museos y buscados por coleccionistas privados en todo el mundo. Pero su resonancia no responde a una moda. Surge de su capacidad de heredar los lenguajes comunitarios y rituales del arte popular y transformarlos en vocabularios contemporáneos. Importan porque permanecen anclados a las mismas fuentes que dieron poder al arte popular: prácticas comunitarias, rituales encarnados e imaginación colectiva.
El rol del coleccionista
La historia del arte latinoamericano demuestra que cuando las expresiones culturales adquieren visibilidad, siembran movimientos. El arte popular, con su profundidad y riqueza simbólica, siempre ha sido un terreno fértil. Artistas como Paulino y Varejão nos recuerdan que estas tradiciones no son estáticas; pueden criticar la historia y el mercado que ha promovido valores peligrosos, al mismo tiempo que nos permiten reimaginar nuestras identidades nacionales y comunitarias.
Para los coleccionistas, este momento ofrece tanto una responsabilidad como una oportunidad para garantizar que este terreno fértil siga dando frutos. Dos casos en la región muestran el camino. En Brasil, Bernardo Paz construyó Inhotim, transformando una colección privada en un parque cultural donde el arte existe en diálogo con el paisaje y la comunidad. Allí, Varejão cuenta con una galería dedicada que alberga permanentemente obras importantes. En México, Eugenio López Alonso, a través de Fundación Jumex, ha apoyado no sólo adquisiciones sino también exposiciones, investigación y educación. En ambos casos, el coleccionismo se convirtió en una plataforma para la vida pública más que en acumulación privada. Al invertir en visibilidad, estos coleccionistas crearon las condiciones para que florecieran nuevos lenguajes artísticos.
Imaginemos el efecto si obras como Bastidores de Paulino fueran instaladas en espacios cívicos, generando conversaciones sobre memoria e identidad entre transeúntes, o si los azulejos quebrados de Varejão confrontaran a los visitantes en sitios coloniales, transformando la reflexión en diálogo. Encuentros públicos como estos pueden cambiar la conciencia cultural. Pueden inspirar a los jóvenes a ver sus propias historias como materia prima para el arte y a elegir la creación como una forma de expresar sus opiniones, preguntas y miedos. En este sentido, el cuidado deja de ser simple preservación: se convierte en activación, en una visión renovada de lo que puede significar el mecenazgo.
Los coleccionistas, al hacer sus colecciones accesibles, pueden cultivar la próxima ola de voces y quizás incluso el próximo gran movimiento. Así como el mecenazgo alimentó en su momento el muralismo mexicano o el concretismo brasileño, los coleccionistas de hoy tienen la oportunidad de apoyar a artistas que utilizan las tradiciones populares para enfrentar los fracasos sociales contemporáneos. El arte público, los préstamos a largo plazo y las exhibiciones comunitarias no son actos de caridad; son el pulso de la vitalidad cultural. Crean ecosistemas donde las formas populares pueden seguir evolucionando en lugar de desaparecer en silencio tras paredes privadas.
Aquí, la responsabilidad se convierte en catalizador de oportunidad. Los coleccionistas que entienden el cuidado como activación más que como posesión inevitablemente se vuelven parte del movimiento hacia adelante de la historia del arte. Con algo tan potente como el arte popular, su rol es mantener abierto el terreno, permitir que nuevas semillas echen raíces y garantizar que lo que crezca hable tanto al pasado como al futuro.
El papel de los coleccionistas no es guardar la llama en la oscuridad, sino mantenerla viva en la vida pública. El arte popular muestra cómo las tradiciones se encienden cuando se comparten, cómo generan nuevas prácticas y nuevos imaginarios. Coleccionar con cuidado es asegurar que la llama no se apague y encienda el arte del mañana. A medida que surge una nueva generación de coleccionistas, es esencial repensar la sostenibilidad de los marcos y prácticas de coleccionismo para fomentar el mecenazgo y asegurar que nuevos movimientos vean la luz.
Sobre nuestra escritora invitada:
Ïsha Musampa es asesora de arte formada en Christie’s Education en Art Business y en la Universidad de Westminster, donde obtuvo una maestría en Comunicaciones de Marketing. Es fundadora de Vanta Art Advisory, una firma dedicada a guiar a coleccionistas en la construcción de colecciones significativas con un enfoque en artistas de color. A través de la escritura crítica, el análisis cultural y la visión del mercado, explora las intersecciones entre arte, inversión y diplomacia, resaltando cómo el coleccionismo moldea tanto el legado como las narrativas culturales. Su experiencia abarca colaboraciones con instituciones como la colección Jara-Michel y el Musée d’art contemporain de Montréal, entre otras.
Para saber más sobre Ïsha Musampa y Vanta Art Advisory, visita:
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