Jess Vieira’s practice moves between the psychic and the physical, exploring the body as a site of transformation and connection with the natural world.
In this conversation, we trace the beginnings of her relationship with painting and consider how her background in art therapy and literature has shaped her practice. She also reflects on the role of drawing, her approach to color and the ideas currently guiding her work, from metamorphosis to estuaries and states of transition.
When did painting first become part of your life and what drew you to it?
JV: I have always felt that art was my true way of expressing being alive, but painting specifically began for me as a tool for healing.
I started painting with watercolors to process my thoughts and emotions during periods of depression. The more I painted, the better I felt. Little by little, the practice expanded until it transformed from a coping mechanism into my profession and my purpose.
What tends to set a painting in motion now? Does it begin with an image, a memory, a sensation, or a color?
JV: It usually begins with an emotion that turns into a physical sensation or the activation of memories imprinted on the body. It feels like images slowly organizing themselves inside a specific part of me. Sometimes it comes through meditation, and when it happens, it is more about color.
Drawing and painting hold distinct places in my process. Sketches don’t have color until I begin painting; I love how drawing allows me to solve things, much like writing does. The pencil dances across the paper without commitment, yet at the same time, it leaves me feeling aligned and grounded. Canvas and oil paint are entirely different; I go deeper, and the layers become mysterious even to myself. Drawing helps me understand things, while painting liberates emotions. Even if a painting begins with a sketched image, my process remains completely intuitive and gesture-driven.
“I love how drawing allows me to solve things, much like writing does. The pencil dances across the paper without commitment, yet at the same time, it leaves me feeling aligned and grounded.”
Your work explores the entanglement between the psychic world and living nature. What interests you about bringing those two spaces together?
JV: I am deeply interested in breaking the illusion that we are separate from nature. We are one.
Art is essential to integrating human psychic developments with the material world because it assumes different manifestations; it is vital to understand the influence of how everything works together. How we feel or what we believe directly shapes our attitudes, determining whether we integrate into an ecosystem or not. If we are at constant war within our inner world or body, everything external feels like a threat. When we are balanced within our inner worlds and communities, we begin collaborating to keep life safe; there is no separation.
I realized our bodies share a common matrix with the natural world; that is why the shapes seem so similar. Bringing these spaces together allows me to express our individual and collective connections, showing that our deepest feelings and basic needs exist in pure symbiosis with ecological elements. It is visual and spiritual.
“I am deeply interested in breaking the illusion that we are separate from nature. We are one.”
Your recent paintings feel much more fluid than some of your earlier figurative work. The body is still present, but it seems to merge with the landscape around it. What led you towards that shift?
JV: This shift was very natural. As we change, the work changes, though an essential core always remains.
The body is still present, but its shape is undergoing metamorphosis. I see these as metamorphosing bodies that don’t carry the obligation of being rigidly identified. I want these bodies to transcend individuality without excluding it. Merging with the landscape is the organic evolution of that vision; it visually represents that we are not separate from our environment. But when I am working, none of these fusions between body and landscape are provoked; they just happen.
Colour feels very active in your paintings. How do you arrive at your palette? Is it intuitive, or do certain colours carry specific associations for you?
JV: My color choices are highly intuitive. I confess that sometimes I try to maintain a planned palette when I start, but it constantly shifts along the way, unless the entire idea stems directly from color itself.
For instance, in a painting called Rio Interior, the concept arrived when a friend mentioned that if we cover our ears, we can listen to the flow of our blood. I painted mine using only blue and red. While these choices reflect a resonance between absence and saturation, I believe these rational thoughts only come after the work is finished; thinking too much during the process feels like pollution.
You trained in art therapy and studied Literature, later specialising in Brazilian Studies. How have these different fields informed your practice as a painter?
JV: Art therapy gives me the opportunity to contribute to the lives of others, mainly other women. Today, I dedicate part of my time to leading sessions for individuals and groups. Sharing art, listening, and witnessing the psychic process unfold in others feels like a true blessing, and it endlessly broadens my vision of other universes. Naturally, this feeds into my work. Recently, I led a workshop I developed called Corpos Botânicos at a high school in Itaparica, an island in Bahia. It was deeply meaningful to work with teenagers at a stage of life that holds so much emotion and requires such tender attention.
My other academic pursuits stem from an innate curiosity that will always be a part of me. I even find myself wanting to study biology next, and perhaps one day I will! I believe we have many ways of feeding our creativity and sharing it. At the moment, I’ve published texts with Mandala Lunar in Spain, France, Austria, Germany, Japan, and here in Brazil. I’m proud and having a great time with something new that I never expected when I studied Literature.
“Art therapy gives me the opportunity to contribute to the lives of others, mainly other women. Today, I dedicate part of my time to leading sessions for individuals and groups. Sharing art, listening, and witnessing the psychic process unfold in others feels like a true blessing, and it endlessly broadens my vision of other universes.”
You have recently become interested in estuaries. What is it about that threshold that resonates with you?
JV: Estuaries are fascinating because they are ultimate zones of transition, a spiritual place: the encounter of waters and spiritual mothers and what they bring with them, where fresh water meets the ocean, and where different ecosystems and forces merge.
This threshold resonates perfectly with my interest in metamorphosing bodies and symbiosis. An estuary is a place of constant transformation and fluidity, much like how I treat the canvas: liquefying paint, balancing densities, and exploring the exact meeting point between the internal psychic world and external living nature. It is a crossroads where water renews and transforms everything.
What are you working through at the moment? Are there particular ideas or questions occupying you right now?
JV: Right now, I am thinking less and doing more through my paintings and my body. To me, it feels like an ancestral blessing to be grounded enough internally to experiment with healing things I don’t have names for yet, and perhaps never will. I initially started painting to heal myself and keep myself alive, but when I became a professional artist, I temporarily forgot that and began worrying about fleeting, external things that don’t truly matter to my inner world. Now, I can see the work as something far larger than those anxieties, allowing it to simply be what it needs to be.
This mindset allows me to reclaim my investigations into the biological body’s structures across macro and microscopic dimensions, interweaving connected ecosystems. I am experimenting with tensions between the scarcity of matter and accumulated density, balancing saturation and desaturation, painting with fabrics instead of brushes, and contrasting liquefied oil with thick accumulations that form centers of attraction for bodies in metamorphosis. I am doing what I need to do.
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En el estudio con: Jess Vieira
La práctica artística de Jess Vieira se mueve entre lo psíquico y lo físico, explorando el cuerpo como un espacio de transformación y conexión con el mundo natural.
En esta conversación, repasamos los inicios de su relación con la pintura y analizamos cómo su formación en arteterapia y literatura ha marcado su práctica. Además, reflexiona sobre el papel del dibujo, su enfoque del color y las ideas que actualmente guían su obra, desde la metamorfosis hasta los estuarios y los estados de transición.
¿Cuándo empezó la pintura a formar parte de tu vida y qué fue lo que te atrajo de ella?
JV: Siempre he sentido que el arte era mi verdadera forma de expresar el hecho de estar viva, pero la pintura, en particular, comenzó para mí como una herramienta de sanación.
Empecé a pintar con acuarelas para procesar mis pensamientos y emociones durante periodos de depresión. Cuanto más pintaba, mejor me sentía. Poco a poco, la práctica fue creciendo hasta transformarse de un mecanismo para sobrellevar esos momentos en mi profesión y mi propósito.
¿Qué suele poner en marcha una pintura para ti ahora? ¿Empieza con una imagen, un recuerdo, una sensación o un color?
JV: Suele comenzar con una emoción que se transforma en una sensación física o en la activación de recuerdos impresos en el cuerpo. Es como si las imágenes fueran organizándose lentamente dentro de una parte específica de mí. A veces surge a través de la meditación y, cuando sucede, tiene más que ver con el color.
El dibujo y la pintura ocupan lugares distintos dentro de mi proceso. Los bocetos no tienen color hasta que empiezo a pintar; me encanta cómo el dibujo me permite resolver cosas, de una manera muy parecida a la escritura. El lápiz danza sobre el papel sin compromiso y, al mismo tiempo, me hace sentir alineada y con los pies en la tierra. El lienzo y la pintura al óleo son completamente distintos; ahí voy más profundo y las capas se vuelven misteriosas incluso para mí. El dibujo me ayuda a comprender las cosas, mientras que la pintura libera emociones. Aunque una pintura comience con una imagen esbozada, mi proceso sigue siendo completamente intuitivo y guiado por el gesto.
“Me encanta cómo el dibujo me permite resolver cosas, de una manera muy parecida a la escritura. El lápiz danza sobre el papel sin compromiso y, al mismo tiempo, me hace sentir alineada y con los pies en la tierra.”
Tu obra explora el entrelazamiento entre el mundo psíquico y la naturaleza viva. ¿Qué te interesa de reunir esos dos espacios?
JV: Me interesa profundamente romper con la ilusión de que estamos separados de la naturaleza. Somos uno.
El arte es esencial para integrar los procesos psíquicos humanos con el mundo material, porque asume distintas manifestaciones; es vital comprender la influencia de cómo todo funciona en conjunto. Cómo nos sentimos o aquello en lo que creemos moldea directamente nuestras actitudes y determina si nos integramos o no en un ecosistema. Si estamos en guerra constante con nuestro mundo interior o con nuestro cuerpo, todo lo externo se percibe como una amenaza. Cuando encontramos equilibrio dentro de nuestros mundos interiores y nuestras comunidades, empezamos a colaborar para preservar la vida; no hay separación.
Me di cuenta de que nuestros cuerpos comparten una matriz común con el mundo natural; por eso las formas parecen tan similares. Reunir estos espacios me permite expresar nuestras conexiones individuales y colectivas, mostrando que nuestros sentimientos más profundos y nuestras necesidades básicas existen en pura simbiosis con elementos ecológicos. Es algo visual y espiritual.
“Me interesa profundamente romper con la ilusión de que estamos separados de la naturaleza. Somos uno.”
Tus pinturas recientes se sienten mucho más fluidas que algunas de tus primeras obras figurativas. El cuerpo sigue estando presente, pero parece fundirse con el paisaje que lo rodea. ¿Qué te llevó hacia ese cambio?
JV: Este cambio fue muy natural. A medida que cambiamos nosotros, cambia la obra, aunque siempre permanece un núcleo esencial.
El cuerpo sigue estando presente, pero su forma atraviesa una metamorfosis. Veo estos cuerpos como cuerpos en transformación que no cargan con la obligación de estar rígidamente identificados. Quiero que trasciendan la individualidad sin excluirla. Fundirse con el paisaje es la evolución orgánica de esa visión; representa visualmente que no estamos separados de nuestro entorno. Pero cuando estoy trabajando, ninguna de estas fusiones entre cuerpo y paisaje es provocada; simplemente suceden.
El color se siente muy activo en tus pinturas. ¿Cómo llegas a tu paleta? ¿Es algo intuitivo o hay ciertos colores que tienen asociaciones específicas para ti?
JV: Mis elecciones de color son profundamente intuitivas. Confieso que a veces intento mantener una paleta planificada al comienzo, pero cambia constantemente durante el proceso, salvo que toda la idea surja directamente del propio color. Por ejemplo, en una pintura llamada Rio Interior, el concepto apareció cuando una amiga mencionó que, si nos tapamos los oídos, podemos escuchar el flujo de nuestra sangre. Pinté la mía utilizando únicamente azul y rojo. Aunque estas decisiones reflejan una resonancia entre ausencia y saturación, creo que esos pensamientos racionales solo aparecen una vez terminada la obra; pensar demasiado durante el proceso se siente como una forma de contaminación.
Te formaste en arteterapia y estudiaste Literatura, y más tarde te especializaste en Estudios Brasileños. ¿Cómo han influido estos distintos campos en tu práctica?
JV: La arteterapia me da la oportunidad de contribuir a la vida de otras personas, principalmente de otras mujeres. Hoy dedico parte de mi tiempo a dirigir sesiones individuales y grupales. Compartir el arte, escuchar y ser testigo de cómo se despliega el proceso psíquico en otras personas se siente como una verdadera bendición, y amplía constantemente mi visión de otros universos. Naturalmente, esto alimenta mi trabajo. Recientemente dirigí un taller que desarrollé, llamado Corpos Botânicos, en una escuela secundaria de Itaparica, una isla de Bahía. Fue profundamente significativo trabajar con adolescentes en una etapa de la vida que contiene tantas emociones y requiere una atención tan delicada.
Mis otros intereses académicos nacen de una curiosidad innata que siempre formará parte de mí. Incluso me encuentro pensando que quisiera estudiar biología a continuación, ¡y quizá algún día lo haga! Creo que existen muchas maneras de alimentar nuestra creatividad y compartirla. Actualmente he publicado textos con Mandala Lunar en España, Francia, Austria, Alemania, Japón y aquí, en Brasil. Estoy orgullosa y disfrutando muchísimo de algo nuevo que nunca imaginé cuando estudiaba Literatura.
“La arteterapia me da la oportunidad de contribuir a la vida de otras personas, principalmente de otras mujeres. Hoy dedico parte de mi tiempo a dirigir sesiones individuales y grupales. Compartir el arte, escuchar y ser testigo de cómo se despliega el proceso psíquico en otras personas se siente como una verdadera bendición, y amplía constantemente mi visión de otros universos.”
Recientemente te has interesado por los estuarios. ¿Qué hay en ese umbral que resuena contigo?
JV: Los estuarios me fascinan porque son zonas de transición por excelencia, un lugar espiritual: el encuentro de las aguas y de las madres espirituales y de aquello que traen consigo, donde el agua dulce se encuentra con el océano y donde distintos ecosistemas y fuerzas convergen.
Este umbral resuena perfectamente con mi interés por los cuerpos en metamorfosis y la simbiosis. Un estuario es un espacio de transformación y fluidez constantes, muy parecido a la manera en que trato el lienzo: licuando la pintura, equilibrando densidades y explorando el punto exacto de encuentro entre el mundo psíquico interior y la naturaleza viva exterior. Es una encrucijada donde el agua renueva y transforma todo.
¿Qué estás explorando en este momento? ¿Hay ideas o preguntas particulares que estén ocupando tu atención?
JV: Ahora mismo estoy pensando menos y haciendo más a través de mis pinturas y de mi cuerpo. Para mí, se siente como una bendición ancestral estar lo suficientemente arraigada interiormente como para experimentar con la sanación de cosas para las que todavía no tengo nombres, y quizá nunca los tenga. Al principio empecé a pintar para sanarme y mantenerme viva, pero cuando me convertí en artista profesional, lo olvidé temporalmente y comencé a preocuparme por cosas externas y pasajeras que en realidad no importan a mi mundo interior. Ahora puedo ver la obra como algo mucho más grande que esas ansiedades, permitiéndole simplemente ser lo que necesita ser.
Esta forma de pensar me permite retomar mis investigaciones sobre las estructuras del cuerpo biológico a través de dimensiones macro y microscópicas, entretejiendo ecosistemas conectados. Estoy experimentando con tensiones entre la escasez de materia y la densidad acumulada, equilibrando saturación y desaturación, pintando con telas en lugar de pinceles y contrastando óleo licuado con acumulaciones espesas que forman centros de atracción para cuerpos en metamorfosis. Estoy haciendo lo que necesito hacer.
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