Grimanesa Amorós works with light as a medium to create immersive sculptural installations. Presented across a range of architectural contexts internationally, her works often respond directly to the environments they inhabit.
In this conversation, Amorós discusses how her Peruvian heritage has shaped her practice, her first encounters with light as a medium, and the ways architecture and place inform her installations. She also reflects on public art, audience interaction, and the different interpretations that emerge when people encounter her work.
You grew up in Peru and travelled extensively throughout the country from a young age. How has that early experience of moving through such different landscapes shaped you and how has it influenced your practice?
GA: Peru has always been a source of inspiration for me; its biodiversity fascinates me. From north to south and east to west, the country’s landscape changes. I have always seen nature as perfection; it is the basis of my practice and a major influence on my work. The ability to adapt is important because art shifts and changes and then becomes a work of art.
“Peru has always been a source of inspiration for me; its biodiversity fascinates me…I have always seen nature as perfection; it is the basis of my practice and a major influence on my work.”
Before light became such a central part of your work, were you working with other mediums? How did you first begin experimenting with light, and what made you continue working with it?
GA: Before becoming a sculptor who uses light as a medium, I worked with video, paint, and paper, but always in a sculptural way. Light became my main focus due to a life-changing trip to Iceland in 2001. Initially, I went to study the birds, always amazed by migration patterns, but while I was there, I was lucky to experience the Northern Lights. I was amazed and thought, “If only I could share the light with others, wouldn’t it be amazing?” I didn’t take any photos; I just immersed myself in the moment, in awe of nature’s perfection.
Light is ephemeral, a phenomenon that everyone can understand, but it’s how you express light with others that changes its definition and purpose. It took me a long time to develop my visual language with light. My artwork aims to express light differently, and my favorite part is standing at one of my exhibitions or public works and hearing people discuss the art; what they confirm or perceive depends on their experience, and the beauty lies in light’s ability to create community and conversation.
You describe your works as sculptures rather than projections or light effects. What does it mean for you to treat light as a sculptural material, and what possibilities or limitations does it introduce into the work?
GA: The works are sculptures, and even in bright light, they don’t solely rely on darkness or light; the artwork and light are one.
Each work has a reason and has a purpose. I don’t do projections or light effects; they are not adornments. They are self-expression, a piece of me sharing with the world; I borrow light and play with it in my sculptures. I don’t believe in limitations, just a “constant romance with the unknown,” as I like to say.
“I don’t do projections or light effects; they are not adornments. They are self-expression, a piece of me sharing with the world; I borrow light and play with it in my sculptures.”
Do colours carry fixed meanings for you, or does their significance change according to the architecture, location, and cultural context of each project?
GA: It is dependent on the project and environment. All my lighting sequences are created on-site, live; nothing is preset. The environment in which the pieces live is what inspires the color and energy of the work. For example, the sequence for AMPLEXUS was inspired by the strong sunsets of the Saudi desert. PASSAGE in Istanbul for Contemporary Istanbul’s 20th Anniversary and The Peninsula Hotel: the sequence was inspired by Türkiye’s flag and the hustle and bustle; the city’s energy inspired the sequence’s movement. For my piece RADIANCE with the LA PHIL, I used many moments of golden tones to represent Prometheus’s fire and Viracocha’s connection to light and creation.
Your works often enter spaces with very strong architectural identities. How does a site transform the work you initially imagine? Do you see architecture as a collaborator or as something the work has to challenge?
GA: I do not see challenges, just me “living in a constant romance with the unknown.” I see them as opportunities to remain curious and creative. Architecture, to me, plays an important role in creating site-specific work, as the piece becomes one with the architecture; it can inform the light sequence, how people move through the space, and how the artwork encapsulates it.
“I do not see challenges, just me ‘living in a constant romance with the unknown.’ ”
Do you ever arrive at a site with one idea and find that the architecture forces you to rethink or abandon it completely?
GA: Luckily, I am always prepared. The only time I changed my concept due to architectural limitations was for my work, THE MIRROR CONNECTION, at the CAFA Art Museum in Beijing. I had to change my visual concept completely after learning on-site that Arata Isozaki did not allow any drilling in the floors or walls. Still, we made it happen, and it turned out to be a wonderful piece and reminded me that nothing is impossible.
With Uros House, you brought a reference to Lake Titicaca and the traditional use of totora reeds into Times Square, one of the most technologically saturated spaces in the world. What interested you in creating a dialogue between those very different environments?
GA: New York is where I established myself as an artist. Times Square was a place of inspiration for me in the ’80s; it was one of the first places I stopped when I came to the city. To have a piece there was always a dream, and it came true. Bringing a reference from Peru into that space brought two parts of my life together: my Peruvian heritage and the importance of bringing awareness to the preservation of the Uros culture, and connecting with Times Square, which represented New York, the city where I evolved as an artist.
“New York is where I established myself as an artist. Times Square was a place of inspiration for me in the ’80s; it was one of the first places I stopped when I came to the city. To have a piece there was always a dream, and it came true.”
You have shared with us that you sometimes stand among visitors without telling them you are the artist so you can listen to their reactions. What have you learned about your own work by hearing people interpret it without knowing you are there?
GA: I learned that people are very imaginative, and some are curious, and many are both.
Everyone has a different interpretation of the work and interest in it. The engineers, for example, want to know how the art was made; others are more curious about the why; some go to read the statement, while others immerse themselves. It’s the beauty of living in a constant romance with the unknown; each time, it’s different.
Much of your work exists in public or semi-public spaces. What interests you about placing art in places where people can encounter it unexpectedly, outside the traditional museum or gallery setting?
GA: Art can be individual and communal; it is both. Public space is where light can be shared with others at its maximum, and that is what I have always wanted to do with my artwork: share with others and express what I have to say.
Art is fuel for the mind, and creativity exists in all fields. Public art allows someone who may never walk into a museum or gallery to experience art unexpectedly. Some people don’t feel comfortable in those environments, but making art public makes it approachable. Maybe they are going to work, or they are with their children; maybe they give me only two seconds of their time, and I get them to stop, think, feel inspired, and connect with the artwork. In public spaces, the younger generation can connect with the artwork, push their imagination, and feel inspired to have something to share and say with the world.
“Art can be individual and communal; it is both. Public space is where light can be shared with others at its maximum, and that is what I have always wanted to do with my artwork: share with others and express what I have to say.”
To learn more about Grimanesa Amorós, visit:
En el estudio con: Grimanesa Amorós
Grimanesa Amorós trabaja con la luz como medio para crear instalaciones escultóricas inmersivas. Presentadas en distintos contextos arquitectónicos alrededor del mundo, sus obras suelen responder directamente a los entornos que habitan.
En esta conversación, Amorós habla sobre cómo su herencia peruana ha influido en su práctica, sus primeros encuentros con la luz como medio y las formas en que la arquitectura y el lugar informan sus instalaciones. También reflexiona sobre el arte público, la interacción con la audiencia y las distintas interpretaciones que surgen cuando las personas se encuentran con su obra.
Creciste en Perú y viajaste extensamente por todo el país desde muy joven. ¿Cómo te marcó esa experiencia temprana de recorrer paisajes tan diferentes y cómo ha influido en tu práctica?
GA: Perú siempre ha sido una fuente de inspiración para mí; su biodiversidad me fascina. De norte a sur y de este a oeste, el paisaje del país cambia. Siempre he visto la naturaleza como perfección; es la base de mi práctica y una gran influencia en mi trabajo. La capacidad de adaptarse es importante porque el arte se desplaza y cambia, y luego se convierte en obra.
“Perú siempre ha sido una fuente de inspiración para mí; su biodiversidad me fascina… Siempre he visto la naturaleza como perfección; es la base de mi práctica y una gran influencia en mi trabajo.”
Antes de que la luz se convirtiera en una parte tan central de tu trabajo, ¿trabajabas con otros medios? ¿Cómo comenzaste a experimentar con la luz y qué te llevó a seguir trabajando con ella?
GA: Antes de convertirme en una escultora que utiliza la luz como medio, trabajaba con video, pintura y papel, pero siempre de una manera escultórica. La luz se convirtió en mi principal enfoque debido a un viaje a Islandia en 2001 que me cambió la vida. Al principio, fui a estudiar las aves, siempre fascinada por los patrones migratorios, pero mientras estaba allí, tuve la suerte de experimentar la aurora boreal. Me quedé maravillada y pensé: “Si tan solo pudiera compartir la luz con los demás, ¿no sería increíble?”. No tomé ninguna fotografía; simplemente me sumergí en el momento, maravillada ante la perfección de la naturaleza.
La luz es efímera, un fenómeno que todos pueden comprender, pero es la manera en que expresas la luz con los demás lo que cambia su definición y su propósito. Me tomó mucho tiempo desarrollar mi lenguaje visual con la luz. Mi obra busca expresar la luz de manera diferente, y mi parte favorita es estar en una de mis exposiciones u obras públicas y escuchar a la gente hablar sobre el arte; lo que confirman o perciben depende de su experiencia, y la belleza reside en la capacidad de la luz para crear comunidad y conversación.
Describes tus obras como esculturas en lugar de proyecciones o efectos de luz. ¿Qué significa para ti tratar la luz como un material escultórico y qué posibilidades o limitaciones introduce en la obra?
GA: Las obras son esculturas y, aun con mucha luz, no dependen únicamente de la oscuridad o de la luz; la obra y la luz son una sola cosa.
Cada obra tiene una razón y un propósito. No hago proyecciones ni efectos de luz; no son adornos. Son una forma de expresión, una parte de mí que comparto con el mundo. Tomo prestada la luz y juego con ella en mis esculturas. No creo en las limitaciones, solo en un “romance constante con lo desconocido”, como me gusta decir.
“No hago proyecciones ni efectos de luz; no son adornos. Son una forma de expresión, una parte de mí que comparto con el mundo. Tomo prestada la luz y juego con ella en mis esculturas.”
¿Los colores tienen significados fijos para ti o su significado cambia según la arquitectura, la ubicación y el contexto cultural de cada proyecto?
GA: Depende del proyecto y del entorno. Todas mis secuencias de iluminación se crean in situ, en vivo; nada está preestablecido. El entorno en el que viven las piezas es lo que inspira el color y la energía de la obra. Por ejemplo, la secuencia de AMPLEXUS estuvo inspirada en los intensos atardeceres del desierto saudí. En PASSAGE, en Estambul, para el 20.º aniversario de Contemporary Istanbul y The Peninsula Hotel, la secuencia estuvo inspirada en la bandera de Türkiye y en el bullicio; la energía de la ciudad inspiró el movimiento de la secuencia. Para mi pieza RADIANCE con LA PHIL, utilicé muchos momentos de tonos dorados para representar el fuego de Prometeo y la conexión de Viracocha con la luz y la creación.
Tus obras suelen ocupar espacios con identidades arquitectónicas muy marcadas. ¿Cómo transforma un lugar la obra que imaginas inicialmente? ¿Ves la arquitectura como una colaboradora o como algo que la obra tiene que desafiar?
GA: No veo desafíos, solo a mí misma “viviendo en un romance constante con lo desconocido”. Los veo como oportunidades para mantenerme curiosa y creativa. Para mí, la arquitectura desempeña un papel importante en la creación de obras específicas para un lugar, ya que la pieza se vuelve una con la arquitectura; puede influir en la secuencia de luz, en cómo las personas se mueven por el espacio y en cómo la obra lo encapsula.
“No veo desafíos, solo a mí misma ‘viviendo en un romance constante con lo desconocido.’ ”
¿Alguna vez llegas a un lugar con una idea y descubres que la arquitectura te obliga a replantearla o abandonarla por completo?
GA: Por suerte, siempre estoy preparada. La única vez que cambié mi concepto debido a limitaciones arquitectónicas fue para mi obra THE MIRROR CONNECTION, en el CAFA Art Museum de Pekín. Tuve que cambiar completamente mi concepto visual después de enterarme, ya estando en el lugar, de que Arata Isozaki no permitía perforar los suelos ni las paredes. Aun así, lo hicimos posible, terminó siendo una pieza maravillosa y me recordó que nada es imposible.
Con Uros House, llevaste una referencia al lago Titicaca y al uso tradicional de la totora a Times Square, uno de los espacios más saturados tecnológicamente del mundo. ¿Qué te interesaba de crear un diálogo entre esos entornos tan diferentes?
GA: Nueva York es donde me consolidé como artista. Times Square fue un lugar de inspiración para mí en los años 80; fue uno de los primeros lugares en los que me detuve cuando llegué a la ciudad. Tener una pieza allí siempre fue un sueño, y se hizo realidad. Llevar una referencia de Perú a ese espacio unió dos partes de mi vida: mi herencia peruana y la importancia de generar conciencia sobre la preservación de la cultura Uros, y conectarlas con Times Square, que representaba a Nueva York, la ciudad donde evolucioné como artista.
“Nueva York es donde me consolidé como artista. Times Square fue un lugar de inspiración para mí en los años 80; fue uno de los primeros lugares en los que me detuve cuando llegué a la ciudad. Tener una pieza allí siempre fue un sueño, y se hizo realidad.”
Nos has contado que a veces te sitúas entre los visitantes sin decirles que eres la artista para poder escuchar sus reacciones. ¿Qué has aprendido sobre tu propia obra al escuchar a las personas interpretarla sin saber que estás allí?
GA: Aprendí que las personas son muy imaginativas, algunas son curiosas y muchas son ambas cosas.
Todos tienen una interpretación diferente de la obra y un interés distinto en ella. Los ingenieros, por ejemplo, quieren saber cómo se hizo el arte; otros sienten más curiosidad por el porqué; algunos van a leer el texto, mientras que otros se sumergen en la experiencia. Es la belleza de vivir en un romance constante con lo desconocido; cada vez es diferente.
Gran parte de tu obra existe en espacios públicos o semipúblicos. ¿Qué te interesa de situar el arte en lugares donde las personas pueden encontrárselo inesperadamente, fuera del contexto tradicional del museo o la galería?
GA: El arte puede ser individual y colectivo; es ambas cosas. El espacio público es donde la luz puede compartirse con los demás al máximo, y eso es lo que siempre he querido hacer con mi obra: compartir con los demás y expresar lo que tengo que decir.
El arte es combustible para la mente, y la creatividad existe en todos los ámbitos. El arte público permite que alguien que quizá nunca entraría en un museo o una galería experimente el arte de manera inesperada. Algunas personas no se sienten cómodas en esos entornos, pero hacer que el arte sea público lo vuelve accesible. Tal vez van camino al trabajo o están con sus hijos; quizá solo me dan dos segundos de su tiempo, y consigo que se detengan, piensen, se sientan inspirados y conecten con la obra. En los espacios públicos, las generaciones más jóvenes pueden conectar con la obra, impulsar su imaginación y sentirse inspiradas a tener algo que compartir y decirle al mundo.
“El arte puede ser individual y colectivo; es ambas cosas. El espacio público es donde la luz puede compartirse con los demás al máximo, y eso es lo que siempre he querido hacer con mi obra: compartir con los demás y expresar lo que tengo que decir.”
Para saber más sobre Grimanesa Amorós, visita: