This week sees the opening in London of the first edition of Paraíso Art Fair, bringing together a group of Latin American artists whose practices engage with some of the most pressing concerns in contemporary art from the region: migration, memory, ecology, identity, and the systems that organise everyday life.
Far from proposing a homogeneous reading of Latin America, the works of Jaime Gili, Débora Delmar, Rafael D’Aló, Lucia Pizzani and River Claure form a map of tensions and affinities in which abstraction, installation, painting, sculpture, photography and conceptual research coexist.
What distinguishes this first edition of Paraíso is not only the diversity of its visual languages and techniques, but the way each artist transforms personal experience and specific contexts into platforms for thinking through questions of global relevance.
We are pleased to offer a limited number of complimentary passes for guests attending the launch, including access to Paraíso Art Fair. Please contact contact@artinlatam.com to request yours.
Venezuelan artist Jaime Gili (Caracas, 1972) comes to the fair with a selection of works derived from Conuco, a project recently developed in London and shaped by memories, displacement and reflections on landscape. His new paintings emerge from his observation of a small conuco on the outskirts of Caracas, from reading José Eustasio Rivera’s The Vortex, and from a growing concern with the relationship between nature, cultivation and cultural memory. The organic curves that run through these works contrast with the geometric structures that have characterised much of his practice, creating a language in which vegetation, spontaneous growth and the force of gravity appear to challenge the certainties of rationalist modernity.
Gili’s work also operates as a critical reconsideration of the Venezuelan modernist imaginary. In place of the order of the grid and the promises of constructive abstraction, the artist proposes an aesthetic closer to the organic processes of the forest, the cultivated plot and the living landscape.
From London, where he is currently based, the idea of the greenhouse becomes a powerful metaphor for diaspora: working with the symbolic materials of a territory to which one no longer physically belongs, but which continues to grow in memory.
If Gili examines territory through painting, Mexican artist Débora Delmar (Mexico City, 1986) turns her attention to the invisible architectures that regulate social relations. At Paraíso, she presents Limits and Acquisition Agreement, two works that deepen an ongoing investigation into bureaucracy, mobility, citizenship and structures of power.
Limits emerged from Delmar’s residency at Stanley Picker Gallery and takes as its point of departure the systems of spatial control used in cultural institutions and private spaces. The work was constructed from the gallery’s former blue velvet ropes and crowd-control barriers, once used inside Stanley Picker House to protect the art collection and regulate the movement of visitors. Reconfigured by the artist, these everyday objects cease to function merely as museographic devices and instead become a sculptural structure that interrogates ideas of access, exclusion and belonging.
The piece operates simultaneously as sculpture, obstacle and social device: visitors cannot pass through it, but must move around it, negotiate its presence and adapt to its boundaries. The physical experience thus becomes a powerful metaphor for contemporary borders and for the visible and invisible mechanisms that condition our movement through social space.
Acquisition Agreement, meanwhile, transforms the contract for the acquisition of an artwork into the artwork itself. Delmar continues to explore legal and administrative language not simply as a form of institutional critique, but as aesthetic material capable of revealing the structures that shape the circulation of art, creative labour and the production of value. Her practice demonstrates that bureaucratic systems are not abstract mechanisms, but forces that shape everyday experience and the possibilities of belonging.
Also marked by the experience of displacement, Brazilian artist Rafael D’Aló (Porto Alegre, 1981) presents two recent works: the painting Notes from a Past Life and the sculpture Father Figure. Both investigate memory, not through explicit recollection, but through what remains inscribed in the body and accompanies the individual unconsciously.
D’Aló understands artistic experience as a profoundly physical event. For him, even in an era dominated by the digital circulation of images, perception remains embodied. His paintings function as spaces of transition in which notes, gathered images and accumulated experiences form new associations. His sculpture, made in aluminium from moulded and assembled flamboyant tree pods, introduces an almost anthropomorphic presence that confronts the viewer with the materiality of space.
The condition of being a foreigner runs through much of his practice. Yet rather than presenting it as an experience of exclusion, D’Aló understands it as an opportunity for learning. His works suggest that inhabiting the world through displacement involves developing new forms of attention, openness and listening. In this sense, memory appears less as a reconstruction of the past than as a territory for possible encounters.
The relationship between nature, knowledge and transformation lies at the centre of Lucia Pizzani’s (Caracas, 1975) practice. One of the most established voices of the Venezuelan diaspora in the United Kingdom, Pizzani presents at Paraíso a group of ceramic sculptures and works on paper emerging from research developed across Mexico, Brazil and Europe. Together, they affirm a practice that approaches the natural world as a living archive of knowledge, displacement and shared histories.
The works on view belong to projects exploring plant intelligence, ecological systems and forms of communication within the natural world. Through anthropomorphic forms, seeds, pods, plant impressions and fossils, Pizzani seeks to bring viewers closer to forms of life often perceived as passive, emphasising plants’ capacity to communicate, cooperate and sustain complex networks of interdependence. English clays bear the imprint of Mexican maize or incorporate elements collected from Brazil’s Atlantic Forest, creating objects in which geographical and cultural memory accumulates in multiple layers.
Pizzani works at the intersection of art, science and ancestral knowledge. Rather than illustrating ecological concepts, her works seek to grant agency to plants and question the hierarchies that place the human being at the centre of worldly experience. At a moment defined by the climate crisis, her practice offers a perspective capable of connecting geological time, evolutionary processes and patterns of migration. Nature ceases to function as a backdrop and instead becomes an active subject within the narrative.
Meanwhile, Bolivian artist River Claure (Cochabamba, 1997) presents a photograph from the series in which he reinterpreted The Little Prince through Andean landscapes.
Although it is one of his earliest projects, the work already anticipates concerns that continue to shape his practice: the construction of identity, modes of representation and the relationship between personal memory and collective imagination. Claure works from photography, but his images begin as drawings and visual scripts. The result is not documentary in any strict sense. The artist describes his works as directed scenarios in which characters, landscapes and symbols interact in order to question the expectations frequently projected onto the Andean world. Flowers, traditional dress and literary references are displaced from their usual contexts to generate new readings of Bolivian history and contemporaneity.
More recently, his work has turned towards the ethical implications of representing Indigenous communities and territories historically positioned at the margins of dominant narratives. This concern has not led him to abandon a dreamlike visual language, but rather to examine more deeply the power relations involved in every act of image-making. Moving between play, staging and cultural critique, Claure constructs a body of work that challenges both inherited stereotypes and traditional ways of looking at landscape.
Taken together, the practices brought together at Paraíso Art Fair point to a significant transformation within contemporary Latin American art. The question is no longer one of representing national identities or asserting closed regional narratives. What emerges instead is a constellation of investigations in which memory intersects with migration, ecology with history, and individual experience with global structures of power.
From Jaime Gili’s conuco to Débora Delmar’s bureaucratic systems; from Rafael D’Aló’s bodily memories to Lucia Pizzani’s plant intelligences and River Claure’s Andean imaginaries, Paraíso Art Fair emerges as a space in which Latin America ceases to be understood as a fixed geography and instead becomes a territory of constant translation, exchange and reinvention. In London, that hybrid condition finds an especially fitting setting: a city which, like the works brought together at the fair, is itself shaped by displacement, encounter and overlapping memories.
Writen by: Douglas A. Bravo Colmenares is a journalist who graduated from Rafael Belloso Chacín University. He holds a master’s degree in Social Communication from the Institute of Communication Research at the Central University of Venezuela. He regularly contributes to Grupo Editorial EDEFA and international publications specializing in art.
Artistas para descubrir en Paraíso Art Fair
Esta semana abre en Londres la primera edición de Paraíso Art Fair, un espacio que reunirá a un conjunto de artistas latinoamericanos cuyas propuestas revelan algunas de las preocupaciones más urgentes del arte contemporáneo de la región: la migración, la memoria, la ecología, la identidad y los sistemas que organizan nuestra vida cotidiana.
Lejos de plantear una lectura homogénea de América Latina, las obras de Jaime Gili, Débora Delmar, Rafael D’Aló, Lucia Pizzani y River Claure conforman un mapa de tensiones y afinidades donde conviven la abstracción, la instalación, la pintura, la escultura, la fotografía y la investigación conceptual.
Lo que distingue a esta primera edición de Paraíso no es únicamente la diversidad de lenguajes y técnicas visuales, sino la manera en que cada artista convierte experiencias personales y contextos específicos en plataformas para pensar cuestiones de alcance global.
Nos complace ofrecer un número limitado de pases de cortesía para quienes nos acompañen en la inauguración, con acceso incluido a Paraíso Art Fair. Para solicitarlos, pueden escribirnos a contact@artinlatam.com.
El venezolano Jaime Gili (Caracas, 1972) llega a la feria con una selección derivada de Conuco, proyecto desarrollado recientemente en Londres y atravesado por recuerdos, desplazamientos y reflexiones sobre el paisaje. Sus nuevas pinturas nacen de la observación de un pequeño conuco en las periferias de Caracas, de la lectura de La vorágine de José Eustasio Rivera y de una preocupación creciente por la relación entre naturaleza, cultivo y memoria cultural. Las curvas orgánicas que atraviesan estas obras contrastan con las estructuras geométricas que han caracterizado gran parte de su producción, generando un lenguaje donde la vegetación, el crecimiento espontáneo y las fuerzas de la gravedad parecen desafiar las certezas de la modernidad racionalista.
La obra de Gili opera además como una revisión crítica del imaginario moderno venezolano. Frente al orden de la retícula y las promesas de la abstracción constructiva, el artista propone una estética más cercana a los procesos orgánicos de la selva, del huerto y del paisaje vivo.
Desde Londres, donde reside actualmente, el concepto de invernadero se convierte en una potente metáfora de la diáspora: trabajar con materiales simbólicos de un territorio al que ya no se pertenece físicamente, pero que continúa creciendo en la memoria.
Si Gili examina el territorio desde la pintura, la mexicana Débora Delmar (Ciudad de México, 1986) dirige su atención hacia las arquitecturas invisibles que regulan nuestras relaciones sociales. En Paraíso presenta Limits y Acquisition Agreement, dos obras que profundizan en una investigación sostenida sobre burocracia, movilidad, ciudadanía y estructuras de poder.
Limits surge de una residencia realizada por Delmar en la Stanley Picker Gallery y toma como punto de partida los sistemas de control espacial utilizados en instituciones culturales y espacios privados. La obra fue construida a partir de los antiguos cordones de terciopelo azul y separadores de espacio empleados en la propia galería ubicada dentro de la Casa Stanley Picker, donde originalmente cumplían la función de proteger la colección de arte y regular la circulación de los visitantes. Reconfigurados por la artista, estos elementos cotidianos dejan de ser simples dispositivos museográficos para convertirse en una estructura escultórica que interpela las nociones de acceso, exclusión y pertenencia. La pieza funciona simultáneamente como escultura, obstáculo y dispositivo social: el público no puede atravesarla, sino que debe rodearla, negociar su presencia y adaptarse a sus límites. La experiencia física se transforma así en una poderosa metáfora de las fronteras contemporáneas y de los mecanismos, visibles e invisibles, que condicionan nuestros desplazamientos en el espacio social.
Por su parte, Acquisition Agreement transforma el contrato de adquisición de una obra en la propia obra artística. Delmar continúa explorando el lenguaje jurídico y administrativo no como simple crítica institucional, sino como material estético capaz de revelar las estructuras que condicionan la circulación del arte, el trabajo creativo y la producción de valor. Su práctica demuestra que los sistemas burocráticos no son mecanismos abstractos, sino fuerzas que moldean la experiencia cotidiana y las posibilidades de pertenencia.
También marcado por la experiencia del desplazamiento, el brasileño Rafael D’Aló (Porto Alegre, 1981) presenta dos trabajos recientes: la pintura Notes from a Past Life y la escultura Father Figure. Ambas piezas indagan en la memoria, aunque no desde el recuerdo explícito, sino desde aquello que permanece inscrito en el cuerpo y acompaña al individuo de forma inconsciente.
D’Aló entiende la experiencia artística como un acontecimiento profundamente físico. Para él, incluso en una época dominada por la circulación digital de imágenes, la percepción continúa siendo corporal. Sus pinturas funcionan como espacios de tránsito donde anotaciones, imágenes recolectadas y experiencias acumuladas encuentran nuevas asociaciones. La escultura, realizada en aluminio a partir de vainas vegetales del flamboyánmoldeadas y ensambladas, introduce una presencia casi antropomórfica que confronta al espectador con la materialidad del espacio.
La condición de extranjero atraviesa buena parte de su práctica. Sin embargo, lejos de presentarla como una experiencia de exclusión, D’Aló la entiende como una oportunidad de aprendizaje. Sus obras sugieren que habitar el mundo desde el desplazamiento implica desarrollar nuevas formas de atención, apertura y escucha. En ese sentido, la memoria aparece menos como una reconstrucción del pasado que como un territorio de encuentros posibles.
La relación entre naturaleza, conocimiento y transformación ocupa el centro de la propuesta de Lucia Pizzani (Caracas, 1975), una de las voces más sólidas de la diáspora venezolana en el Reino Unido. Para Paraíso presenta un conjunto de esculturas de cerámicas y obras sobre papel que surgen de investigaciones desarrolladas entre México, Brasil y Europa, confirmando una práctica que entiende el mundo natural como un archivo vivo de saberes, desplazamientos e historias compartidas.
Las piezas que exhibe forman parte de proyectos que exploran la inteligencia vegetal, los sistemas ecológicos y las formas de comunicación presentes en el mundo natural. A través de formas antropomórficas, semillas, vainas, huellas de plantas y fósiles, Pizzani busca acercar al espectador a formas de vida que suelen ser percibidas como pasivas, subrayando la capacidad de las plantas para comunicarse, cooperar y sostener complejas redes de interdependencia. Arcillas inglesas reciben la impronta de maíces mexicanos o incorporan elementos recolectados en la Mata Atlántica brasileña, creando objetos donde la memoria geográfica y cultural se sedimenta en múltiples capas.
Pizzani trabaja en la intersección entre arte, ciencia y saberes ancestrales. Más que ilustrar conceptos ecológicos, sus obras buscan otorgar agencia a las plantas y cuestionar las jerarquías que sitúan al ser humano en el centro de la experiencia del mundo. En un momento marcado por la crisis climática, su producción propone una mirada capaz de conectar tiempos geológicos, procesos evolutivos y dinámicas migratorias. La naturaleza deja de ser un telón de fondo para convertirse en un sujeto activo dentro del relato.
Mientras tanto, el boliviano River Claure (Cochabamba, 1997) presenta una fotografía perteneciente a la serie con la que reinterpretó El principito desde los paisajes andinos.
Aunque se trata de uno de sus primeros proyectos, la obra ya anticipa preocupaciones que continúan presentes en su producción: la construcción de identidad, las formas de representación y la relación entre memoria personal e imaginario colectivo. Claure parte de la fotografía, pero sus imágenes nacen previamente en dibujos y guiones visuales. El resultado no es documental en sentido estricto. El artista describe sus trabajos como escenarios dirigidos donde personajes, paisajes y símbolos interactúan para cuestionar las expectativas que suelen proyectarse sobre el mundo andino. Flores, vestimentas tradicionales y referencias literarias aparecen desplazadas de su contexto habitual para generar nuevas lecturas sobre la historia y la contemporaneidad de Bolivia.
Más recientemente, su reflexión se ha orientado hacia las implicaciones éticas de representar comunidades de pueblos originarios y territorios históricamente situados en los márgenes de los relatos dominantes. Esa preocupación no lo ha llevado a abandonar una visión onírica, sino a examinar con mayor profundidad las relaciones de poder involucradas en toda imagen. Entre el juego, la puesta en escena y la crítica cultural, Claure construye una obra que cuestiona tanto los estereotipos heredados como las formas tradicionales de mirar el paisaje.
En conjunto, las propuestas reunidas en Paraíso evidencian una transformación significativa dentro del arte latinoamericano contemporáneo. Ya no se trata de representar identidades nacionales ni de reivindicar discursos regionales cerrados. Lo que emerge es una constelación de investigaciones donde la memoria dialoga con la migración, la ecología con la historia y la experiencia individual con estructuras globales de poder.
Desde el conuco de Jaime Gili hasta los sistemas burocráticos de Débora Delmar; desde las memorias corporales de Rafael D’Aló hasta las inteligencias vegetales de Lucia Pizzani y los imaginarios andinos de River Claure, Paraíso Art Fair se presenta como un espacio donde América Latina deja de ser una geografía fija para convertirse en un territorio de traducciones, intercambios y reinvenciones constantes. En Londres, esa condición híbrida encuentra un escenario especialmente pertinente: una ciudad que, como las obras reunidas en la feria, también está hecha de desplazamientos, encuentros y memorias superpuestas.
Escrito por: Douglas A. Bravo Colmenares. Periodista de la Universidad Rafael Belloso Chacín. Tiene una maestría en Comunicación Social del Instituto de Investigaciones de la Comunicación de la Universidad Central de Venezuela. Escribe regularmente para el Grupo Editorial EDEFA y en medios internacionales especializados en arte.